lunes, 23 de junio de 2014

Vermeer y el matiz del color

La vida de Johannes Vermeer 

Johannes Vermeer nació en 1632 en Delft, donde vivió y trabajó durante toda su vida. No se sabe a ciencia cierta quién enseño a Vermeer a pintar. Lo que sí sabemos es que tenía muchos amigos que eran pintores, pero ninguno de los estilos de esos artistas se aproxima al suyo. 


Aunque Vermeer era un marchante de arte, al igual que su padre, siempre se consideró algo más que un pintor. Solo trabajaba por encargo y no pintaba más de dos o tres obras al año. Ganaba justo lo suficiente para mantener a su esposa y sus once hijos. Murió de repente en 1675. 


La obra de Johannes Vermeer 

Johannes Vermeer solo creó 45 pinturas durante su vida, de las cuales 35 han llegado hasta nuestros días. Probablemente esto convierta a Vermeer en el pintor más célebre con una aportación tan pequeña a la historia del arte.  


A lo largo de la vida de Vermeer, sus pinturas fueron muy infravaloradas. Su obra empezó a ser apreciada de repente después de que el crítico francés Théophile Thoré-Bürger escribiera una monografía sobre él en 1866. Se sabía tan poco de Vermeer en esa época que Bürger decidió llamarle «la Esfinge de Delft». En la actualidad, la obra de Johannes Vermeer tiene un valor incalculable. La pintura La joven de la perla, que se ha ganado el sobrenombre de la «Mona Lisa del Norte», ha inspirado incluso a realizadores de Hollywood.  


Lo característico de la obra de Vermeer es el uso de los colores azul y amarillo. También es conocido como el maestro de la «luz holandesa». Dice la leyenda que, tras ganarle tierras al agua, el color de los cielos de Holanda cambió porque dejaron de existir las marismas y los lagos, y la luz ya no se reflejaba en el cielo. La mítica «luz holandesa» solo se puede apreciar en las pinturas antiguas.  


OBRAS:

La joven de la perla

La lección de música 

La lechera

Muchacha con sombrero rojo


HOLLAND.COM. (s.f.). Recuperado el JUNIO de 2014, de JOHANNES VERMEER: http://www.holland.com/es/turista/article/johannes-vermeer-17.htm

RUBENS

 PETER PAUL RUBENS

Pincelada y capa sobre capa

(Siegen, actual Alemania, 1577-Amberes, actual Bélgica, 1640) Pintor flamenco. Fue la gran figura del Barroco en la Europa septentrional. Las fuentes lo recuerdan como un gran humanista, un idealista clarividente, hombre reservado y honesto que despreció la actitud arrogante de los poderosos. Tuvo más influencia que Rembrandt a pesar de que a su pintura grandilocuente le falta algo de sinceridad.
En razón de las creencias religiosas de su padre, un abogado calvinista, pasó su primera infancia en Siegen y Colonia. En 1587, la muerte de su progenitor le permitió desplazarse a Amberes, donde estudió pintura con tres artistas poco conocidos; uno de ellos, Otto Vaenius, le indujo a realizar el tradicional viaje a Italia, que resultó decisivo para la formación del artista.


A lo largo de ocho años (1600-1608), recorrió los principales centros artísticos italianos y copió obras maestras para la colección de su mentor, el duque de Mantua. Durante el período italiano produjo sus primeras obras (La exaltación de la cruzEl bautismo de Cristo), muy influidas todavía por la pintura italiana y alejadas de su estilo de madurez. Lo más relevante de esta época es seguramente la serie de retratos aristocráticos que pintó en Génova.
Después de un viaje a España, adonde fue enviado por el duque de Mantua para llevarle unos presentes a Felipe III y donde realizó algunas obras, en 1608 regresó a Amberes debido a una grave enfermedad de su madre y se estableció definitivamente en esta ciudad, que sólo abandonó más adelante para la ejecución de encargos concretos. Abrió en Amberes una casa-taller en la que, con la colaboración de numerosos ayudantes especializados, ejecutó gran número de obras en respuesta a la multitud de encargos que recibía.
En las realizaciones de los años 1601-1614 (Adoración de los MagosAnunciaciónEl descendimiento de la cruz), la personalidad artística de Rubens aparece ya definitivamente formada: grandiosidad y sentido dramático, dinamismo intenso, pasión por el dibujo. Paulatinamente, los intereses del artista se amplían y añade el género mitológico al religioso, así como el paisaje y el género costumbrista. Mitológicas son, de hecho, algunas de sus obras más conocidas, como Las tres Gracias, el Rapto de las hijas de Leucipo o Diana y las ninfas, en las que resulta evidente la inclinación del artista hacia las musculaturas poderosas, las carnes sonrosadas y exuberantes y las tonalidades claras y alegres.

Por otra parte, revalorizó el cuadro de caza y de batallas, un género muy adecuado a su preferencia por el dinamismo y las composiciones complejas, y sobresalió también como creador de escenas costumbristas (El jardín del amor) y de cartones para tapices, con grandes ciclos como la Historia de Aquiles y el Triunfo de la Eucaristía.
A partir de 1620 recibió importantes encargos de varias cortes europeas, entre ellos el de la historia de María de Médicis para el palacio del Luxemburgo de París y la decoración del salón de banquetes (banquetinghouse) del palacio de Whitehall, en Londres. En estas obras destinadas a la decoración de amplios ambientes, el genio pudo dar rienda suelta a su sentido monumental y decorativo de la pintura a través de enormes frescos cargados de figuras y de motivos ornamentales, en los cuales la composición se basa en grandes líneas diagonales que añaden, si cabe, mayor sensación de movimiento al conjunto.
En su faceta de retratista, Rubens se inclinó por la idealización de los rostros y la magnificencia de las actitudes; además de personajes importantes, retrató en obras encantadoras a sus dos esposas, Isabel Brandt y Helena Fourment; la primera murió en 1626 y cuatro años más tarde, en 1630, Rubens contrajo matrimonio con la segunda, una hermosa joven a la sazón de dieciséis años, a quien conocía desde niña.

OBRAS:


Rapto de la hijas de Laucipo

Unión de Inglaterra y Escocia

Detalle de la pincelada, google art proyect

La venus del espejo



Vidas, B. y. (2004). BIOGRAFIAS Y VIDAS. Recuperado el junio de 2014, de http://www.biografiasyvidas.com/biografia/rubens

CARAVAGGIO Y EL CLAROSCURO


Caravaggio 
Michelangelo Merisi 

Pintor barroco italiano 

Nació el 29 de septiembre de 1573 en la ciudad de CaravaggioLombardía, de donde tomó su sobrenombre. 

Hijo de un alto funcionario, fue discípulo de Simone Peterzano en Milán. 

Viajó a Roma en el año 1593 y trabajó en el taller del pintor Giuseppe Cesari, para quien pintó frutas y flores. Cuando llegó a Roma con veinte años, forma parte del círculo de artistas e intelectuales del Cardenal del Monte, representante del Gran Duque de la Toscana ante el Papa. A pesar de que sostenía que la naturaleza era su único maestro, es obvio que asimiló los estilos de los maestros renacentistas, especialmente el de Miguel Ángel

Su utilización de modelos populares para pintar sus primeras obras profanas y posteriores composiciones religiosas atrajo la atención de la Contrarreforma por su realismo directo y por su carácter devocional. Fue asimismo muy importante su utilización del claroscuro para imprimir dramatismo en sus obras. 

En su primera época pintó el Baco joven (c. 1592, Galería de los Uffizi, Florencia), Muchacho con cesto de frutas (Roma, Galería Borguese), David, vencedor de Goliat (Museo del Prado, Madrid) y Los músicos (1591-1592, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), realizada para el cardenal Francesco del Monte. 

Se le encargó la decoración de la capilla Contarelli en San Luis de los Franceses, en Roma, con tres escenas de la vida de san Mateo: San Mateo y el ángelMartirio de san Mateo y Vocación de san Mateo (1599-1600). Alrededor de 1601 pinta la Conversión de san Pablo y la Crucifixión de san Pedroen la capilla de Santa María del Popolo de Roma


De Caravaggio se ha dicho que fue un revolucionario tanto por su vida turbulenta como por su pintura, en la que planteó una oposición consciente al Renacimiento y al manierismo. Siempre buscó, ante todo, la intensidad efectista a través de vehementes contrastes de claroscuro que esculpen las figuras y los objetos, y por medio de una presencia física de vigor incomparable. Al evitar cualquier vestigio de idealización y hacer del realismo su bandera, pretendió ante todo que ninguna de sus obras dejara indiferente al espectador. Desde el principio de su estancia romana rechazó la característica belleza ideal del Renacimiento, basada en normas estrictas, y eligió el camino de la verdad y el realismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de preparación previa.

Obras:

Cupido Victorioso

Jugando cartas

La vocación de San Mateo

David y Goliath

La decapitación de San Juan el bautista


Busca Biografías. (s.f.). Recuperado el junio de 2014, de http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/8882/Caravaggio
Vidas, B. y. (2004). BIOGRAFIAS Y VIDAS. Recuperado el junio de 2014, de http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/caravaggio.htm

lunes, 2 de junio de 2014

JOHANNES ITTEN CONTRASTES


JOHANNES ITTEN


Johannes Itten, diseñador y profesor en la Bauhaus, es el primero que hizo una teoría sobre los tipos de contrastes posibles que se producen entre las diferentes características de los colores. Diferenció siete contrastes: saturación, temperatura, simultaneidad, cantidad, luminosidad, colocación en el círculo cromático y calidad del color.



LOS 7 CONTRASTES DE COLOR IDENTIFICADOS POR JOHANNES ITTEN SON LOS SIGUIENTES:

1-   El contraste de los colores puros: Saturación de color 100% produce un alto contraste visual.





 Contraste entre color cálido y color frío: La diferencia de temperatura de cada color aumenta el contraste visual entre ambos.


Contraste simultáneo: Cuando tenemos un color saturado (sin gris ni blanco) y lo colocamos sobre un gris, en el gris se genera el tono de color complementario al saturado que tenemos. Si tenemos un rojo sobre un gris, se genera una tonalidad azulada sobre el gris (el azul es el complementario). Simultáneo significa que el contraste se genera por estar un color al lado del otro, y siempre hay un efecto entre ambos.

Contraste cuantitativo. Tenemos dos colores pero cada uno tiene un área diferente, o tamaño. Por lo que esa diferencia también genera un contraste de cantidad.

Contraste claro – oscuro: Yuxtaposición de dos colores con diferente luminosidad o valor tonal.


Contraste complementario: Es el contraste que crean dos colores opuestos en el círculo cromático, es decir, complementarios.


Contraste cualitativo: La calidad del color, si es más o menos saturado, genera que el color sea vivo o al contrario, apagado. Al colocar un color vivo contra uno apagado se genera un contraste visual.



Fuente: http://www.pinturayartistas.com/los-7-contrastes-de-colores-de-johannes-itten/


TONO


TONO (COLOR)


•En la pintura, un tono se refiere a un color puro; es decir, uno sin pigmento blanco o negro añadidos. Un tono es un elemento de la rueda de color y son los primeros en ser procesados en el cerebro.

• La yuxtaposición regular de líneas más o menos cercanas permite crear la ilusión de tono.

COLORES ARMÓNICOS 

Los colores armónicos son los que se encuentran a la derecha o a la izquierda de un color básico y tienen su matiz.

COLORES ANÁLOGOS 


Los colores análogos se configuran a partir de un color seleccionado en el círculo cromático y la mezcla con sus adyacentes.

COLORES COMPLEMENTARIOS


Los colores complementarios son, por lo general, una pareja de dos colores opuestos en el círculo cromático.

Fuente: Ivanovic, I. C. (s.f.). PROYECTA COLOR. Recuperado el 2014, de PROYECTA COLOR: http://www.proyectacolor.cl/

Morandi y Bonnard

MORANDI Y BONNARD

Giorgio Morandi








Pierre Bonnard







Fuente: Extraídas de google imagenes

elementos basicos de la pintura


ELEMENTOS BÁSICOS DE LA PINTURA

Soporte y formato

El soporte es la base física en la cual se estructurara la obra pictórica.
Entre los tipos de soportes tenemos: lienzo, papel, cartulinas, madera, paredes y muros, etc.

En el arte contemporáneo el soporte puede jugar un papel muy importante, debido a que dependiendo de este la obra se podrá resinificar y potenciar y el formato deberá ser el que determine la forma en la que el espectador perciba la obra.

Ejemplos:



Color

Cada Cada color tiene su propia luminosidad y además esta luminosidad propia se puede cambiar. El color amarillo es mas luminoso que el violeta, el azul parece iluminarse cuando reducimos la luz exterior  el rojo, como todos, podemos iluminarlo u oscurecerlo mezclándolo con el blanco o con el negro. De todo esto vamos a hablar ahora; de la luz y del color.
Munsell estableció una escala de la luminosidad de los colores de modo que el blanco naturalmente tiene el máximo grado de luminosidad, seguido por el amarillo, el naranja, el verde, el gris, el rojo, el azul, el violeta y el negro, por ultimo, el mínimo de luminosidad. Entre ellos podemos incluir fácilmente a los colores terciarios.
Solo con el blanco y el negro también podemos hacer una escala de luminosidad similar consiguiendo diferentes grados de grises asimilables en luminosidad al resto de los colores.
Mezclando dos colores de diferente luminosidad, el color resultante tendrá una luminosidad intermedia a ambos. Mezclando un color con un gris con un equiparable grado de luminosidad, el color resultante conservara también su luminosidad aunque perderá en intensidad de color
Naturalmente podemos cambiar el grado de luminosidad de todo aquellos colores. Mezclándolos con blanco conseguiremos aumentar su luminosidad (los colores pasteles), y si los mezclamos con negro los obscurecemos.
Dentro de las mezclas de los diferentes colores con el blanco o el negro merecen especial atención las mezclas de los colores bastante luminosos como el amarillo o el naranja con el negro, o a la inversa, la mezcla de los colores poco luminosos como el azul o el violeta con el blanco, es decir la mezcla de un color con el blanco o negro opuesto a su natural orden de luminosidad, presentando los colores resultantes un gran interés pictórico.
Todo ello nos abre un gran horizonte en la gama de colores a utilizar en la pintura, que será muy apreciada al considerar entre otros casos la matización necesaria de los tonos de los colores en las transiciones de luces y sombras en las figuras.


Composición

Componer es ordenar los elementos plásticos que configuran la obra pictórica teniendo en cuenta conceptos como equilibrio, distribución de masas, simetría, luz, color, ....

La composición es por lo tanto el factor que proporciona coherencia formal a la obra de arte. En toda composición debe existir un nexo de unión que proporcione unidad a los signos visuales: en una puede ser el color (composiciones armónicas, contrastes, claves altas o bajas, etc..), en otras será la luz (claroscuro, escasos contrastes cromáticos, ...), en otras la proporción o las texturas...... pero en todas ellas debe existir un principio básico que es el equilibrio.

Elementos importantes en la composición son la simetría, la proporción, el ritmo y el movimiento.

Tipos de Composición

Composición Asimétrica, Ribera

Composición Circular, Goya

Composición Rectangular, Rubens

Composición Triangular, Murillo

Composición Simétrica, Caravaggio



Lucian Freud



LUCIAN FREUD


EL PINTOR DE LA CARNE TRISTE


El Pompidou rinde homenaje al cotizado artista británico

Cuando Lucian Freud empieza un nuevo cuadro concentra todas sus energías en la causa. "Trabajo en él como si fuera la mejor obra que he pintado, como la mejor que nadie ha pintado nunca", confiesa Freud en uno de los vídeos de la gran exposición inaugurada ayer en el Centro Pompidou de París, que rinde homenaje al artista hasta el 19 de julio.
           50 de sus creaciones más conocidas forman parte de esta retrospectiva, en la que sobresalen sus devastadores desnudos de gran formato. Su amigo Francis Bacon aseguraba que la desnudez del cuerpo humano le recordaba al escaparate de una carnicería. Los cuadros de Freud parecen la prueba definitiva de este parecido más que razonable. Sus desnudos son crudos y brutales, formados por cuerpos retorcidos y pieles ásperas de tonalidad mórbida. "Quiero que la pintura sea carne" es una de las grandes frases del pintor.
           "Trabajo cada obra como si fuera la mejor que he pintado", ha dicho Freud, un ermitaño de 87 años que huye de la feria de vanidades del mundo del arte, ha fundamentado su obra en la relación establecida entre esos cuerpos animales y el espacio físico de su estudio londinense, que ha convertido en escenario de todos sus retratos. "El efecto que producen dos individuos distintos en el espacio puede ser tan diferente como el efecto de una vela y el de una bombilla eléctrica", asegura Freud.
            Cada vez que este obsesivo artista comienza a pintar un retrato, puede llegar a pasarse meses observando la luz que irradia su modelo sobre el lugar antes de dar la primera pincelada. Freud sólo retrata a amigos, familiares, amantes y colaboradores. Y jura que no sería capaz de hallar la profundidad de seres desconocidos. "Conocer algo de memoria permite adoptar más profundidad que ver nuevos lugares, por espléndidos e interesantes que puedan resultar", dice otra frase reproducida en las paredes de la exposición.


Painter working, 1993

Naked man, 1991

Ib and her husband

          La última vez que Freud expuso en París, todo terminó en el fracaso y la incomprensión. Corría el año 1987 y el pintor seguía siendo considerado un provocador nato, injustamente favorecido por ser nieto del inventor del psicoanálisis. Más de dos décadas más tarde, Freud vuelve por la puerta grande, convertido en el pintor contemporáneo más cotizado desde que hace unos meses el multimillonario ruso Roman Abramovich compró su celebérrimo retrato de una joven obesa recostada sobre el sofá Benefits supervisor sleeping (1995) por 25 millones de euros.

Esta nueva exposición repasa todas las facetas del pintor, incluyendo un ciclo menos conocido formado por exteriores urbanos y sus cuadros inspirados en otros maestros de la pintura. Entre ellos, una copia del Déjeuner sur lherbe de Manet, aunque llevada una vez más a su terreno: los protagonistas aparecen sentados sobre el suelo de su estudio. Lucian Freud expone también la serie de retratos de personajes de la vida nocturna londinense que inició en los noventa, entre ellos la drag queen Divine y el performer Leigh Bowery.
           La excepcionalidad que supone esta retrospectiva se confirma por la visita sorpresa y casi clandestina que Freud realizó al Pompidou el domingo pasado, saltándose su reclusión sistemática. Incluso apareció acompañado de algunos de sus familiares. Una leyenda urbana atribuye a Freud más de 40 hijos, la mayoría de ellos ilegítimos. La cifra ha sido recientemente rebajada por el asistente del pintor, David Dawson, a "sólo una quincena, aproximadamente".

Autoretrato

Fuente: A.V. (10 de Marzo de 2010). PUBLICO.ES. Recuperado el 2014, de Lucian Freud, el pintor de la carne triste: http://m.publico.es/300756


Contrastes de Paul Klee


CONTRASTES DE PAUL KLEE


Contraste de color en sí













Contraste de calidad

Contraste claroscuro

Contraste de cantidad








Contraste cálido frío